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Egon Schiele ou l’art de la mort

Tout d’abord, je dédie cet article à mon n’amoureux qui a découvert Egon Schiele lors de notre voyage à Vienne, en 2017, et a tout de suite adoré ses peintures (et qui me tanne depuis pour que j’écrive cet article).

Je préfère prévenir tout de suite : âmes sensibles s’abstenir. Nos allons parler d’érotisme, de la mort, de la dépression aussi, sans doute. Nous allons même parler d’Hitler et ça ne sera même pas un point Godwin. Bref, si vous préférez les jolies œuvres zen et fleuries, mignonnes et colorées, je vous invite a vous rediriger plutôt vers cet article ou cet autre.

L’œuvre d’Egon Schiele : la rencontre entre Eros et Thanatos

Egon Schiele est un artiste autrichien du début du XXème siècle (1890-1918). Contemporain de Gustav Klimt, qu’il considère comme son mentor. Son style est pourtant très différent de celui du maître viennois de l’Art Nouveau et de la Sécession Viennoise.

On lui connaît des centaines de peintures, des milliers de dessins et d’aquarelles, des sculptures et des gravures. Mais ce qui est étonnant avec cet artiste, c’est que ses travaux ne cessent de faire polémique, encore aujourd’hui. Le principal reproche qu’on leur fait ? Ils sont d’un érotisme sans fard et, dans le même temps, dépeignent des corps désarticulés, quelque part entre la vie et la mort. Les marionnettes que peint Egon Schiele semblent évoluer entre le plaisir et la souffrance ; entre Eros et Thanatos.

Ses nombreux autoportraits ne sont pas en reste : Egon Schiele se représente tout aussi difforme que ses autres modèles, avec des membres démesurés mais squelettiques, la peau blafarde, parfois sale, dans des postures folles, douloureuses. Si ses autoportraits représentaient son état d’esprit, on peut penser que Schiele était bel et bien un de ces fameux “artistes maudits” ; de ceux-là même qui font aussi les grands génies.

Egon Schiele, l’artiste avant-gardiste
Egon Schiele, Femme assise genoux pliés, Crayon, aquarelle, gouache, 46 x 30,5 cm, 1917, Galerie nationale de Prague.
Egon Schiele, Femme assise genoux pliés, Crayon, aquarelle, gouache, 46 x 30,5 cm, 1917, Galerie nationale de Prague.

En fait, la première fois que l’on voit une œuvre d’Egon Schiele, il est difficile de la dater. Son travail est très différent de ce qui se fait alors à l’époque. Ses peintures sont très avant-gardistes et semblent beaucoup plus récentes qu’elles ne le sont en réalité.

En 1906, Egon Schiele entre à l’Ecole des Beaux-Arts de Vienne. Mais ne supportant plus les règles et l’académisme, il décide de quitter l’école pour fonder le Seukunstgruppe (Groupe pour le nouvel art) avec quelques amis.

Si Gustav Klimt et Egon Schiele pratiquent très différemment leur Art, ils éprouvent l’un pour l’autre un respect mutuel. Egon Schiele voit un maître en Gustav Klimt qui a 45 ans à leur rencontre quand lui n’en a encore que 17. En 1911, une des modèles de Klimt, Wally Neuzil, devient d’ailleurs sa compagne et sa muse.

Si l’artiste ne peine pas à être exposé dans les galeries et les expositions de son époque, pour certains critiques, les œuvres d’Egon Schiele sont les “excès d’un cerveau perdu”. D’ailleurs, alors qu’il s’installe avec sa femme à Krumlov, en Bohème du Sud, et que la ville met à sa disposition sa plus grande salle pour qu’il puisse y réaliser ses grands formats, les habitants n’hésitent pas à exprimer leur antipathie à son sujet, les poussant à déménager. Mais de retour dans les environs de Vienne, l’accueil n’est guère plus accueillant.

Le problème est toujours le même : les peintures d’Egon Schiele choquent par leur caractère étrange et érotique. On l’accuse même de détournement de mineurs, ce qui le conduit à effectuer vingt-quatre jours de prison. Certaines de ses œuvres sont confisquées par le tribunal départemental. On l’accuse d’outrage à la morale publique.

Une de ses œuvres les plus célèbres à l’époque est Le Cardinal et la nonne, hommage clair mais surtout extrêmement provocateur à l’œuvre emblématique de Gustav Klimt, Le Baiser.
Le message semble clair : l’amour et le sexe sont partout, y compris au sein même de l’Église et chez ceux qui se prétendent plus purs qu’aucun autre.

Est-ce une condamnation ? Sans doute pas car Egon Schiele peint également de très nombreux autoportraits. L’artiste dépeint seulement à sa manière un mariage que bien d’autres ont illustré avant lui : celui d’Eros et de Thanatos, celui de l’amour et de la mort, ces deux états par lesquels tous les êtres passent un jour ou l’autre.

Eros et Thanatos dans l’œuvre d’Egon Schiele

On associe particulièrement ces deux dieux grecs depuis Sigmund Freud et son fameux “complexe d’Œdipe”. Or, Freud est autrichien et contemporain d’Egon Schiele mais aussi de Gustav Klimt et de beaucoup d’artistes viennois (en particulier les avant-gardistes) de cette époque. Ses théories psychanalytiques vont inspirer tout ce petit monde, ainsi que beaucoup d’autres créateurs en Europe.

Toutefois, les artistes s’intéressent en fait depuis toujours à ces deux figures : l’amour (et plus exactement l’acte d’amour, le sexe, qui représente “la pulsion de vie” et l’acte créatif) et la mort (ou “la pulsion de mort”, l’acte de destruction). Ce sont deux grands tabous (les plus grands ?) de l’humanité mais pour Freud elles sont constitutives de l’être humain et le fondement même de nos sociétés.

Egon Schiele, Portrait de Karl Zakovsek, Huile sur toile, 100 x 90 cm, 1910, Collection particulière, New-York.
Egon Schiele, Portrait de Karl Zakovsek, Huile sur toile, 100 x 90 cm, 1910, Collection particulière, New-York.

Un des poèmes qui illustre peut-être le mieux cet étrange couple Eros/Thanatos, est celui de Charles Baudelaire, Une Charogne. Alors que le poète nous parle ici d’une femme qu’il aime, il nous dépeint l’ensemble comme une “charogne”, une viande morte, un cadavre en putréfaction.

Rappelez-vous l’objet que nous vîmes, mon âme,
Ce beau matin d’été si doux :
Au détour d’un sentier une charogne infâme
Sur un lit semé de cailloux,

Rembrandt, Le Boeuf écorché, 1655, Musée du Louvre, Paris.
Rembrandt, Le Boeuf écorché, 1655, Musée du Louvre, Paris.

Les jambes en l’air, comme une femme lubrique,
Brûlante et suant les poisons,
Ouvrait d’une façon nonchalante et cynique
Son ventre plein d’exhalaisons.

Le soleil rayonnait sur cette pourriture,
Comme afin de la cuire à point,
Et de rendre au centuple à la grande Nature
Tout ce qu’ensemble elle avait joint ;

Et le ciel regardait la carcasse superbe
Comme une fleur s’épanouir.
La puanteur était si forte, que sur l’herbe
Vous crûtes vous évanouir.

Les mouches bourdonnaient sur ce ventre putride,
D’où sortaient de noirs bataillons
De larves, qui coulaient comme un épais liquide
Le long de ces vivants haillons.

Chaïm Soutine, Le Boeuf écorché, 1925, Musée de Grenoble.
Chaïm Soutine, Le Boeuf écorché, 1925, Musée de Grenoble.

Tout cela descendait, montait comme une vague,
Ou s’élançait en pétillant ;
On eût dit que le corps, enflé d’un souffle vague,
Vivait en se multipliant.

Et ce monde rendait une étrange musique,
Comme l’eau courante et le vent,
Ou le grain qu’un vanneur d’un mouvement rythmique
Agite et tourne dans son van.

Les formes s’effaçaient et n’étaient plus qu’un rêve,
Une ébauche lente à venir,
Sur la toile oubliée, et que l’artiste achève
Seulement par le souvenir.

Derrière les rochers une chienne inquiète
Nous regardait d’un oeil fâché,
Epiant le moment de reprendre au squelette
Le morceau qu’elle avait lâché.

Egon Schiele, Nu masculin assis (Autoportrait), huile sur toile, 1910, Musée Leopold, Vienne.
Egon Schiele, Nu masculin assis (Autoportrait), huile sur toile, 1910, Musée Leopold, Vienne.

– Et pourtant vous serez semblable à cette ordure,
A cette horrible infection,
Etoile de mes yeux, soleil de ma nature,
Vous, mon ange et ma passion !

Oui ! telle vous serez, ô la reine des grâces,
Après les derniers sacrements,
Quand vous irez, sous l’herbe et les floraisons grasses,
Moisir parmi les ossements.

Alors, ô ma beauté ! dites à la vermine
Qui vous mangera de baisers,
Que j’ai gardé la forme et l’essence divine
De mes amours décomposés !

Charles Baudelaire, “Une Charogne“, in Les Fleurs du Mal, 1857.

Il y a quelque chose de très semblable dans l’œuvre d’Egon Schiele. (D’ailleurs, Les Fleurs du Mal firent également scandale au moment de leur publication, en 1857.) On ne saurait dire si son œuvre est belle ou laide. N’est-elle pas belle par sa laideur ? Ses corps décharnés nous fascinent et nous révulsent à la fois. Le choc des contraires, où se mêlent le plaisir et la douleur ainsi que, souvent, les regards de ses modèles, nous agrippent dans son univers torturé. Leurs attitudes et leurs postures, entre orgasme et folie, nous interrogent sur nos propres sentiments et sensations, si humains et pourtant si tabous. Schiele nous met face à nos propres contradictions, qui sont souvent l’œuvre de la société dans laquelle nous vivons.

C’est probablement une des raisons pour lesquelles son œuvre a fait et fait encore l’objet de nombreuses polémiques, parfois très violentes ; le temps passe mais les choses changent peu. Egon Schiele était en avance sur son temps – peut-être y compris sur le nôtre. Il en pâtira mais ne cessera jamais de créer jusqu’à sa mort prématurée, emporté par la grippe espagnole à l’âge de 28 ans seulement. (Il dépasse de peu le Club des 27, dommage… attendez, suis-je en train de regretter qu’il ait vécu un an de plus, le pauvre ? Meh. C’est pas ma faute, la légende aurait apprécié c’est tout).

Egon Schiele, La Famille, huile sur toile, 1918, 150 x 160,8 cm, Österreichische Galerie Belvedere, Vienne.
Egon Schiele, La Famille, huile sur toile, 1918, 150 x 160,8 cm, Österreichische Galerie Belvedere, Vienne.

Sa dernière oeuvre, La Famille, est dramatique car elle montre le jeune homme se projeter dans l’avenir. Il se représente avec sa femme et imagine son enfant à naître. Néanmoins, son épouse, Edith, enceinte de six mois, mourra elle aussi de la grippe espagnole, quelques jours avant lui.

Ni Klimt, ni Klee : le style inclassable d’Egon Schiele

Egon Schiele fut proche de Gustav Klimt, comme nous l’avons vu, mais il rencontra aussi un autre grand artiste de son temps, Paul Klee, en rejoignant le groupe “Sema” de Munich. Pourtant, les œuvres d’Egon Schiele ne ressemblent ni à celles de Klimt, ni à celles de Klee. Ils comptaient pourtant tous deux parmi ses modèles et, surtout, furent tous deux de grands innovateurs et deux grands noms de l’Art Moderne au cours de la courte vie d’Egon Schiele.

Egon Schiele, Autoportrait avec un récipient noir, huile sur panneau, 1911, Kunsthistorisches Museum, Vienne.
Egon Schiele, Autoportrait avec un récipient noir, huile sur panneau, 1911, Kunsthistorisches Museum, Vienne.

Néanmoins, on constate rapidement, en observant ses œuvres, qu’Egon Schiele, malgré le caractère unique de ses travaux, s’inspirait beaucoup de ceux qu’il admirait.

Admiration mutuelle et inspiration partagée

C’est ainsi que l’on trouve des hommages mais aussi des airs de famille entre ses œuvres et celles, notamment, de Klimt ou de Klee. C’est le cas pour Le Cardinal et la nonne dont nous avons parlé plus avant et qui est directement inspiré par Le Baiser de Klimt. Mais c’est aussi le cas de certaines scènes où Egon Schiele délaisse un peu ses portraits pour peindre des bâtiments, des façades étrangement géométriques, comme Klee (même si, en regardant bien certaines dates, l’inspiration semblait mutuelle, d’autant plus que Klee survécu à Schiele). Ou encore quand il réalise des paysages presque abstraits, comme Soleil d’Automne.

Egon Schiele, Façade sur la rivière, huile sur toile, 1915, Leopold Museum, Vienne.
Egon Schiele, Façade sur la rivière, huile sur toile, 1915, Leopold Museum, Vienne.
Paul Klee, Petit village sous le soleil d'automne, Huile sur carton, 1925, Musée d'art du comté de Los Angeles (LACMA), Etats-Unis.
Paul Klee, Petit village sous le soleil d’automne, Huile sur carton, 1925, Musée d’art du comté de Los Angeles (LACMA), Etats-Unis.
Egon Schiele, Soleil d'automne I (Lever de soleil), huile sur toile, 1912, 80,2 x 80,2 cm, Collection privée, New-York.
Egon Schiele, Soleil d’automne I (Lever de soleil), huile sur toile, 1912, 80,2 x 80,2 cm, Collection privée, New-York.
Egon Schiele, Arbre d'automne dans le vent, Huile sur toile, 1912n Leopold Museum, Vienne.
Egon Schiele, Arbre d’automne dans le vent, Huile sur toile, 1912n Leopold Museum, Vienne.

Comme ce dernier, Egon Schiele est d’ailleurs souvent rattaché à l’Expressionnisme. Leurs styles sont pourtant très différents. Au premier abord, la première chose qui nous frappe, est que les œuvres d’Egon Schiele sont, en comparaison, plus figuratives que celle de Paul Klee. Celui-ci tend vers l’abstraction, comme son ami Vassily Kandinsky. De plus, Paul Klee use d’une palette aux couleurs plus vives et chatoyantes que Schiele. Étant d’abord musicien, quand il laisse place au vide, ça n’est pas pour autant le silence qui nous assourdit. Ses œuvres semblent fourmiller de vie (de “pulsion de vie”, comme dirait Freud). Celles de Schiele, avec ses corps fragiles, désarticulés comme des marionnettes aux fils détendus, incapables de se tenir correctement, évoquent la mort – y compris la “petite mort”, autre nom de l’orgasme.

Il faut croire que les contraires s’attirent bel et bien.

“On peut y voir aussi la représentation de la condition humaine entre deux morts : la « petite mort » de l’acte d’amour d’où renaît la vie et la seconde mort, la mort réelle, d’où l’on ne revient plus et par laquelle on disparaît définitivement.”

Jean-Marie Nicolle, “Orphée“, in L’indispensable en culture générale, 2008, p.17.

Egon Schiele, Faire l'amour, Gouache et craie noire sur papier, 49,6 × 31,7 cm, 1915, Leopold Museum, Vienne.
Egon Schiele, Faire l’amour, Gouache et craie noire sur papier, 49,6 × 31,7 cm, 1915, Leopold Museum, Vienne.

Toutefois, ils semblent partager une soif créatrice inextinguible, se délectant de pouvoir représenter ce qu’ils voient mais surtout ce qu’ils ressentent, perçoivent, éprouvent…

“Si tous deux sont particulièrement préoccupés par l’esthétique de l’érotisme, d’un point de vue stylistique, le travail de Gustav Klimt est formellement ordonné et décoratif, tandis que celui d’Egon Schiele est plus torturé et plus expressif. Le premier s’efforce d’atteindre, par des moyens formels, un ordre qui, comme c’est le cas chez le peintre hollandais Piet Mondrian (1872-1944) s’adapte à l’ensemble de la collectivité. Egon Schiele, plus proche en revanche du peintre allemand Paul Klee (1879-1940), transcrit des idées très personnelles qui ont le pouvoir d’évoquer des expériences communes. Singulièrement, Gustav Klimt peut être considéré comme un artiste emblématique d’un style de fin de siècle, tandis que Schiele incarne la prise de conscience nouvellement acquise de l’homme du XXème siècle. Ensemble, les deux artistes représentent l’incroyable richesse créative des années 1900.”

Nadège Durant, “Gustav Klimt et la sensualité féminine: Entre symbolisme et Art nouveau“, in 50 Minutes, p.31-32.

Klimt, le maître viennois

Evidemment, Klimt est un modèle pour la plupart des artistes viennois et européens de son époque et est encore aujourd’hui connu partout dans le monde. Pourtant, nombre de ses œuvres ont été détruites pendant la guerre. De certaines, il ne nous reste que des photographies en noir et blanc qui ne sauraient rendre justice à son art. Mais si Klimt reste aussi admiré et respecté de nos jours, c’est aussi parce que nombre d’artistes se sont depuis inspirés de son travail. Schiele en fit partie.

On retrouve le fond d’or, cher à Gustav Klimt, dans Mère avec deux enfants. Il représente ici une étrange Madonne au visage squelettique, semblant bercer deux enfants – ou deux poupons – dont tout laisse penser que l’un d’eux est mort. Dans Mère Morte (voir ci-dessous), peinture très sombre qui contraste énormément avec Mère avec deux enfants, Schiele semble évoquer le décès d’un de ses frères, mort-né. L’enfant, les yeux vides, est encerclé par un grand châle noir qui évoque le ventre de sa mère.

Egon Schiele, Mère avec deux enfants, huile sur toile, 1915, Leopold Museum, Vienne.
Egon Schiele, Mère avec deux enfants, huile sur toile, 1915, Leopold Museum, Vienne.

Ceci étant dit, si Gustav Klimt détestait le vide, Egon Schiele semble s’en délecter. Il place rarement ses personnages dans un décor, préférant généralement un fond dépouillé et vitreux. Ses nus provocateurs, cernés d’épais contours, semblent ressortir encore davantage au milieu de cette absence, nous poussant à les regarder, à rougir de leur posture et de leurs activités ; leur chair tuméfiée contrastant avec l’aspect livide de leur toile de fond.

Egon Schiele, Mère morte (Tote Mutter), 32,1 × 25,8 cm, 1910, Leopold Museum, Vienne.

Comme Klimt, pourtant, Schiele manie à merveille l’art de transformer les corps à sa manière. Il les déforme, creuse ou allonge par endroits. Certains visages n’ont plus rien d’humain (voir ci-dessous), plus proches de la marionnette, cet étrange objet qui nous laisse toujours un sentiment d’inquiétante-étrangeté (encore une idée de Freud, tiens !) Parfois, il peint même des parties du squelette de ses modèles (voir le portrait de Karl Zakovsek, plus haut, dont la main est particulièrement osseuse et les proportions très déformées, caricaturales).

De son côté, Klimt peint des corps longilignes et élégants, très séduisants et d’une grande beauté. C’est d’autant plus vrai que l’habilité de l’artiste pour l’art décoratif est aussi brillant que ses œuvres (lâche un commentaire si tu penses que je ne manque pas d’humour, jeune freluquet).

Il partage en tout cas le même intérêt que Klimt pour les femmes. Elles semblent beaucoup l’inspirer et sont au centre de nombre de ses travaux. Il peint aussi beaucoup l’amour lesbien.

Egon Schiele, Couple de femmes amoureuses, crayon et aquarelle, 32,5 × 49,5 cm, 1912, Palais Albertina, Vienne.
Egon Schiele, Couple de femmes amoureuses, crayon et aquarelle, 32,5 × 49,5 cm, 1912, Palais Albertina, Vienne.

Mais les toiles de Schiele sont loin d’être les quasi-icônes peintes par Klimt, dans un style rappelant beaucoup l’art chrétien byzantin et ses fonds d’or à la fois décoratifs et symboles divins. Malgré leur amitié et leur respect mutuel, leurs préoccupations semblent diamétralement opposées. L’un semble être le peintre de la beauté ; l’autre de la laideur. Comme les deux faces d’une même pièce, unies et à la fois à jamais opposées.

Gustav Klimt, Adèle Bloch-Bauer I, Huile et feuille d'or sur toile, 138 x 138 cm, 1907, Neue Galerie, New York.
Gustav Klimt, Adèle Bloch-Bauer I, Huile et feuille d’or sur toile, 138 x 138 cm, 1907, Neue Galerie, New York.

Egon Schiele et Adolf Hitler : ont-ils pu se croiser ?

Sensiblement à la même période, les deux hommes postulent aux Beaux Arts de Vienne. L’un y sera accepté, l’autre pas. Drôle de destin croisé.

Egon Schiele, Prisonnier de guerre russe, 1915.
Egon Schiele, Prisonnier de guerre russe, 1915.

Egon Schiele et Adolf Hitler n’ont qu’un an de différence : le premier est né en 1890, l’autre en 1889. Tous deux se rêvent artiste et se retrouvent sur le chemin de l’Académie des Beaux-Arts de Vienne. Egon Schiele, nous l’avons vu, parviendra à y entrer mais pliera bagage rapidement. Profondément avant-gardiste, il ne pouvait supporter les règles imposées par ses maîtres. Adolf Hitler, lui, sera plusieurs fois refusé au concours d’entrée de l’Ecole (la seconde fois, il ne sera même pas autorisé à passer le concours d’entrée !). Au contraire d’Egon Schiele, il est jugé trop conventionnel. Il manque de talent.

Il m’était impossible de ne pas comparer leurs histoires tant elles me semblent paradoxales. Egon Schiele mourra bien avant qu’Hitler ne parvienne au pouvoir mais il aura le temps de croiser la route de nombreux artistes que le régime nazi nommera “dégénérés“. Au cours de sa carrière, Egon Schiele, lui, s’inspirera des déments – les vrais, les malades – internés en asile psychiatrique. Il les observera pour réaliser ses œuvres et travailler les postures, les attitudes si expressives et désarticulées de ses portraits. Il percevra l’intérêt et la beauté (au sens esthétique du terme) dans cette apparente laideur – dans la maladie, dans l’ombre des instituts fermés, cachés aux yeux du monde, dans ce que d’aucuns appelleraient la monstruosité, ou simplement dans la différence, dans l’altérité. Il faut dire qu’il est confronté très tôt à la folie car son père est atteint par la syphilis.

En bref, tout ce qu’Hitler cherchera à détruire, quelques années plus tard, Schiele aura essayé de le mettre en lumière et s’en servira pour créer. Pulsion de vie et pulsion de mort ; création et destruction ; Eros et Thanatos réunis une fois encore par un étrange lien, presque imperceptible.

Egon Schiele, Autoportrait debout avec un gilet au motif paon, Huile sur toile, 1911, Collection Ernest Ploil, Vienne.
Egon Schiele, Autoportrait debout avec un gilet au motif paon, Huile sur toile, 1911, Collection Ernest Ploil, Vienne.

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Sources :

Egon Schiele, Article Wikipédia
Egon Schiele, la vérité nue de l’expressionnisme viennois – France TV Education
5 faits méconnus sur Egon Schiele – BeauxArts
Egon Schiele vs Jean-Michel Basquiat, les enfants terribles du XXe siècle
Egon Schiele – Vikidia
Egon Schiele (1890-1918), génie provocateur – Danube Culture
Harry Bellet, “Egon Schiele, le renégat”, in Le Monde, 2018.

D’hier à aujourd’hui : retour dans mon passé.

Jack Nicholson, Shining, Stanley KubrickCe soir, j’ai bien besoin de m’occuper l’esprit. Et ça tombe bien, il y a quelques jours, j’ai demandé à la fée qui tient ce blog de bien vouloir me renvoyer dans le passé, comme on l’avait fait pour elle dans cet article. Et elle m’a rendu mes quinze ans, le temps d’un tag surnommé d’hier et d’aujourd’hui. Je vais donc me replonger en 2006 et répondre à quelques petites “questions” qui vous permettront d’en apprendre un peu plus sur moi (ceci dit, je m’excuse par avance parce que s’il est bien une chose que je fais mal, c’est bien parler de moi).

PS: Le Jack Nicholson, à côté ? C’est pour aller avec mon humeur du soir.

C’est parti ! En 2006 :

– Ce que je conduis : Et bien, rien parce qu’en 2006, j’ai quinze ans. Je passe du collège au lycée alors je ne suis pas encore en âge d’avoir une voiture, vous vous doutez bien.

– Où je vis : Chez mes parents, dans un village paumé du Nord. Je suis fille unique et je m’ennuie prodigieusement parce que je n’ai pas le moindre ami dans le secteur (il faut dire que contrairement à tous les enfants du village, je vais à l’école dans la ville d’à côté parce que ce sont mes grands-parents qui me gardent à l’époque et depuis toute petite). En fait, mon univers, c’est internet. Je suis une belle nolife.

– Où je travaille : En 2006, je quitte la 3e pour entrer en 2nde. Pas facile parce que j’ai enfin réussi à m’intégrer un minimum dans ma classe de collège, ce qui est une première pour moi. Avant ça, j’étais constamment harcelée par mes camarades et le problème ne s’était réglé qu’à la fin de ma 4e quand un ami (mon chéri, aujourd’hui, d’ailleurs, c’est là qu’on voit que nous deux, ça date quand même) m’avait enfin décidée à cracher le morceau. Le harcèlement durait depuis la primaire, autant vous dire que j’ai subi ! (j’encourage d’ailleurs vivement les élèves qui vivraient un cauchemar semblable à ne surtout pas suivre mon exemple et à parler le plus tôt possible du moindre problème de ce genre. Je suis bien placée pour savoir, aujourd’hui, à quel point cela peut nous gâcher la vie, encore des années plus tard !).
Je perds mon grand-père peu avant le passage du brevet. Je n’entame donc pas le lycée sous mon meilleur jour et j’avoue que je suis bien décidée, avant même la rentrée, à n’adresser la parole à personne. Je ne suis pas d’humeur à parler à qui que ce soit parce que je ne me sens pas capable du moindre effort de sociabilité (d’autant que ça n’est déjà vraiment pas mon fort en temps normal)… Finalement, je suis surprise de me faire des amis assez naturellement, pour la toute première fois de ma vie. Des amis avec lesquels j’entretiens encore des contacts aujourd’hui, d’ailleurs. Je me surprends même à être assez sûre de moi, les premiers temps, car ce changement d’univers me plaît. Au premier trimestre, je surprends tous mes professeurs trop sûrs de leurs statistiques : je viens d’une ZEP et je finis sans problème 1ère de ma classe de pseudo-surdoués. Ca ne dure malheureusement pas parce que ma vie privée ne suit pas. Comme j’accumule les nuits blanches, je finis l’année sur les rotules, avec des notes bien moins bonnes que celles avec lesquelles j’avais commencé et celles que j’aurais pu avoir. Mais bon, c’est comme ça ! A force, je me suis fait une raison.

– Qui est dans mon coeur :  Je rencontre au cours de l’année, sur internet, celui qui deviendra mon copain durant quatre ans. Mais mon coeur, lui, est toujours ailleurs, aux côtés d’un autre, que je pense avoir perdu pour de bon (boarf, j’ai le défaut d’être tenace et un peu trop romantique, faut croire). C’est triste mais, ne voulant absolument pas être seule, je me contente de cet amour qui n’en est pas un et qui se terminera très mal, quatre ans plus tard. A moins que…

Mon groupe favori : Indochine, déjà ! Je les vois en concert pour la première fois cette année là, en décembre, à Bercy. J’y retrouve celui qui hante mon cœur de fleur bleue indécrottable et malgré la tristesse que je ressens de ne pas pouvoir être à ses côtés comme je le souhaiterais, je profite du concert à fond parce qu’il est prêt de moi et que c’est déjà magique. En rentrant, après ce concert, je pleurs toutes les larmes de mon corps, accumulée depuis trop longtemps. Le lendemain, je suis malade à crever et je m’écrouler dans les couloirs du lycée, pitoyable. Mais ce concert… Je me souviens encore de sa force et, ça, c’est une excellent souvenir.

– Mon Hobby : J’écris beaucoup, je dessine, je peins. Mais à mon arrivée au lycée, je n’ai pas le courage de m’inscrire en Arts Plastiques… D’autant que j’ai perdu mon grand-père et que c’est à ses côtés que j’ai appris à créer. Je choisis l’option Japonais et je le regrette amèrement toute l’année ! Finalement, je m’arrange pour avoir de mauvaises notes et je parviens à changer d’option pour l’année suivante. Heureusement, étant donné mon parcours actuel ! Aucun regret, donc, au contraire.
A côté de ça, comme je passe le plus clair de mon temps sur internet depuis déjà plusieurs années, je continue à squatter pas mal de forums de jeu de rôle et de MMORPG. Entrer dans la peau de différents personnages me fait oublier un quotidien pas très rose. C’est une véritable thérapie. A l’époque, je crois que je passe beaucoup de temps sur Ragnarok, notamment o/.

Bref, voilà pour 2006. Une année pas très joyeuse de ma vie, il faut bien l’avouer. Une des pires, sans doute, à bien y réfléchir. Je crois que j’ai accumulé pas mal de trucs moches, à cette période-là. Mais récapituler tout ça me montre que je posais finalement déjà les bases de ma vie actuelle. C’est très étrange à remarquer et je ne m’y attendais pas vraiment. Ce tag est plutôt constructif, en fait ! :D
La preuve, maintenant, en revenant à aujourd’hui :

– Ce que je conduis : Je ne conduis toujours rien ! Je n’ai toujours pas passé le permis. Je me désintéresse totalement de ce bout de papier et, de toute façon, je n’ai pas les moyens d’avoir une voiture. Du coup, c’est tram, train, métro, bus… Peu importe.

– Où je vis : Je n’ai de toute façon pas besoin de voiture parce que je vis maintenant en ville ! J’ai à proximité de chez moi tout ce qu’il me faut pour aller où bon me semble. Et, de toute façon, je suis toujours une nolife alors je ne bouge pas beaucoup o:

– Où je travaille : Ici ! Sur mon Studinano adoré, mon site, mon bébé numérique et tous les travaux qu’il contient. Et je n’aurais pourtant pas parié là-dessus en 2006 ! (de toute façon, je n’aurais parié sur rien, en 2006). J’ai bien fait, en ce temps-là, de changer d’option au lycée : je suis maintenant en deuxième année de Master Recherche en Arts Plastiques et même si je suis toujours aussi stressée, au moins je m’épanouis dans ce que je fais. J’adore la recherche ! J’écris, je réfléchis, j’argumente, je démontre et je crée à partir de tout ça. Bref, c’est tout ce qu’il me fallait ! (bon, okay, tout n’est pas si rose, mais quand je compare avec 2006, je me dis que je m’en sors plutôt très bien o/).

– Qui est dans mon coeur :  Devinez quoi ? Le fameux garçon que je pensais avoir perdu, en 2006, est désormais celui avec lequel je vis depuis déjà un an. Nous avons un chez nous, un chaton adorable (dont je vous parle un peu plus longuement à la fin de cet article) et une machine à dosettes (détail important !). Autant vous dire que, de ce point de vue, je suis la fille la plus heureuse du monde. Et, ça non plus, je ne l’aurais VRAIMENT pas parié en 2006, bien au contraire !
J’en profite d’ailleurs pour remercier mon ex, celui rencontré en 2006, et qui m’a plaquée lâchement du jour au lendemain, après 4 ans de relation : c’est peut-être un peu grâce à toi que je suis avec celui que j’aime vraiment, aujourd’hui :)

Mon groupe favori : Indochine, encore ! Depuis 2006, je les ai revu plusieurs fois en concert et je n’ai jamais regretté. Quand je vais mal, je les écoute. Quand je dois me motiver à aller en cours, je les écoute. Quand je devais me manger 6h de transport aller/retour pour aller à la fac, durant ma licence, je les écoutais aussi. Bref, c’est Indo ma vie, ça on le sait ! ;)

– Mon Hobby : Et bien, de ce point de vue là, ça n’a pas beaucoup changé. Je dessine et je peins beaucoup plus sérieusement. J’écris aussi beaucoup plus sérieusement, études oblige. Et puis, je joue avec mon chaton, je sors boire des verres avec mon amoureux, je surfe toujours autant sur le web, et je trouve ça bien.

Je conclurai cet article (je pensais qu’il serait bien plus larmoyant que ça et que je trouve finalement assez optimiste, ce qui est plutôt étrange venant de moi o/) avec une photo prise cette semaine avec ma boule de poils, mon chaton nommé Yoshi. Il est arrivé chez nous il y a un mois à peine. Il avait été abandonné dans un égout et c’est finalement une association, près de chez nous, qui l’a recueilli avant nous. Nous l’avons appelé Yoshi, comme le personnage de jeu vidéo (bah, on est des geeks ou on ne l’est pas) mais aussi et surtout parce que nous avons trouvé que cela signifiait “chance”. Et de la chance, lui comme nous en avons bien besoin. Je crois que, finalement, nous nous sommes très bien trouvés, tous les trois et nous formons une drôle de petite famille qui me plaît beaucoup et m’apporte beaucoup de joie :)

D’ailleurs, ça tombe bien, c’est Caturday ! :D

Mon chat et moi
Yoshi, mon chaton, et moi (sous mon meilleur profil, n’est-ce pas ?).

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Nid de pensées : Solitude

Nid de pensées : Solitude
Nid de pensées : Solitude
Autoportrait, Peinture acrylique sur toile – 80cm/60cm

Un proverbe dit : « La solitude est le nid des pensées. »
C’est de là que provient le nom de cette toile. La solitude pousse à penser, à réfléchir, à se tourner vers soi-même pour décortiquer la moindre petite chose et elle peut rendre fou. C’est pourquoi nous la fuyons, plus ou moins consciemment, selon moi. Je constate, malgré tout, que c’est souvent grâce à elle que je développe le plus mon imaginaire. Les idées fusent, dans les moments de solitude. Bonnes et mauvaises. Elle m’est, à la foi, tout à fait indispensable et a souvent été destructrice.

C’est donc une toile très personnelle. Un autoportrait, tout d’abord, bordé de symboles. L’ancolie et la dissimulation du regard sous un fourmillement d’idées. La couleur se mêlant au noir. Le mouvement de la chevelure, à la fois souple et contaminateur, ne laissant paraître, finalement, que peu d’éléments du portrait.

J’ai beaucoup de mal à parler de cette peinture , finalement :)

Ma Ballade de l’Impossible : Dancetaria

Parmi les choses qu’il y a à savoir de moi, c’est que je suis fan du groupe Indochine. Très fan.

Et en ce (sur)lendemain de concert, j’ai envie de ressortir de vieux dossiers. En l’occurrence, j’ai envie de profiter de cet article pour vous parler d’une vidéo que j’ai réalisé. Elle se base sur la chanson Dancetaria.

Cette vidéo a été réalisée dans le cadre de ma première année de Licence (2009-2010). Elle est la première partie d’un triptyque . Pour faire simple, c’est-à-dire que j’ai réalisé deux autres vidéos qui “fonctionnent” avec elle pour former un seul et même ensemble qui est, au final, un autoportrait. Ces trois vidéos forment Ma Ballade de l’Impossible (ce nom s’inspire du roman du même nom, de Haruki Murakami, cliquez sur le lien pour voir les autres vidéos composant ce triptyque).

J’ai décidé d’utiliser la technique du stop motion pour créer les différentes animations. Formant une partie d’une sorte d’autoportrait, cette vidéo comporte de nombreux clins d’oeil à mon passé, à ce que j’aime, à ce que je fais, à ce qui m’effraie etc. Par exemple, lorsque la petite télévision apparaît dans le coin gauche de l’écran, elle projette certains de mes tableaux préférés (La vie, de Picasso – L’école d’Athènes, de Raphaël – La cité imaginaire, Anonyme, entre autres). Le damier au sol évoque la peinture classique (durant la Renaissance, représenter un sol en damier permettait au peintre de montrer sa capacité à utiliser la perspective).

Je voulais que mon personnage ressemble à un pantin, à une marionnette. En désarticulant les mouvements, c’est le sentiment que je voulais créer.
La symbolique de cet objet très ancien, m’est importante. La marionnette est utilisée pour raconter des histoires. On la considère souvent comme un objet destiné aux enfants mais elle a souvent servi dans un but satirique. Les spectacles de marionnettes peuvent s’adresser à tous. Un pantin peut aussi être une image de soi, que l’on utilise pour dire des choses qu’on ne dirait pas forcément sans son aide. Pourtant, dire de quelqu’un qu’il est une marionnette est péjoratif : c’est l’idée que quelqu’un tire les ficelles de notre vie, que nous ne sommes pas maître de notre destin. C’est un peu le sentiment que j’ai parfois. C’est le sentiment que j’avais, en tout cas, quand j’ai réalisé Dancetaria.

La question de l’alter-ego occupe également une place importante dans cette réalisation. Depuis toute petite, la création de ces “autres moi” occupe mon temps. Au fur et à mesure, je les ai développés. Certains, comme les jumelles que l’on peut retrouver dans certains de mes travaux, comptent parmi les plus importants. Ici, je les évoque.

Je tenais également à évoquer Alice au pays des Merveilles et l’idée du rêve-éveillé, du rêve-cauchemar, du rêve-fou. Il était important pour moi que se dégage de cette vidéo, une impression d’inquiétante-étrangeté.

Le choix de Dancetaria s’est naturellement imposé à moi. Elle commence comme une douce boite à musique puis l’ensemble s’étoffe peu à peu. A la base, ce morceau est long d’environ sept minutes mais je l’ai volontairement coupé. A cet instant précis, la coupure donne au morceau un sentiment d’inachevé. C’est l’état d’esprit dans lequel je me trouvais au moment de la réalisation de cette vidéo.