Archives par mot-clé : kawaii

Ike ike Japan ! Le Seaside Park de Hitachi

Aujourd’hui, je vous emmène en voyage ! Empoignez vite vos valises, nous partons au pays du Soleil Levant, l’archipel magique tant adulé et, finalement, si méconnu ; le Japon, bien sûr.

Je ne vais pas vous parler de l’entièreté de la patrie du manga. Il en faudrait, des pages, des livres, des encyclopédies ! Je voudrais vous parler d’un endroit dont les photographies circulent énormément sur internet, au point que vous les avez peut-être croisées sur Pinterest, Tumblr ou ailleurs, mais que vous ne connaissez peut-être pas plus que cela. C’est un endroit auquel nous ne penserions pas forcément si nous devions décrire le Japon, nation des robots et autres objets de haute technologie en tout genre, aux villes surpeuplées, aux écolières court-vêtues, aux otaku et autres cosplayers frappadingues (mais carrément fascinants, selon moi).

Et pourtant…

Voici quelques photographies, pour le moins magiques, montrant une toute petite partie du Seaside Park de Hitachi. A l’heure actuelle, ce parc s’étend sur 120 hectares mais il prévoit de s’agrandir jusqu’à 350 hectares.

Pour l’anecdote, le parc s’est installé sur une ancienne base militaire américaine et les japonais peuvent s’y rendre aussi bien pour d’agréables balades en vélo que pour d’autres activités familiales puisque le parc dispose aussi de différentes zones de loisirs.

Faire pousser des fleurs  sur un ancien lieu de guerre, l’idée est poétique. En fait, l’ensemble est très japonais dans l’esprit ; la végétation n’y pousse pas en toute liberté, tout est en ordre. Les couleurs sont coordonnées et choisies avec précision. Dans le Seaside Park on peut donc côtoyer la nature, oui, mais pas livrée à elle-même ni au hasard. Or, maîtriser la nature, quelle qu’elle soit (humaine, végétale..), est vraiment l’une des ambitions nippones.

De fait, en plus d’être le pays des robots intelligents, rappelons que le Japon cultive depuis toujours l’art des jardins. Des jardins zens qui ont fait, en partie, la réputation de l’archipel. Ils pratiquent également l’art des compositions florales appelé l’ikebana (“la voie des fleurs” en japonais) et qui consiste en l’art de faire vivre les fleurs. Ces compositions, de la même manière que les jardins zens, recherchent l’harmonie des lignes, des couleurs, des formes avec un certain penchant pour le minimalisme.

En tout cas, le Seaside Park est sublime. Il n’y a que moi que ça fait rêver ? o/

Quoiqu’il en soit, gardez vos valises sous le coude ; la prochaine fois, je vous entraine dans un autre parc japonais, plus magique encore.

Toile : Second Life

Second Life
Peinture acrylique sur toile
50cm/61cm
Plus d’informations et vue complète sur : https://www.studinano.com/

Comme vous le savez peut-être, Second Life est, tout d’abord, le nom d’un célèbre monde virtuel en ligne massivement multi-joueurs. Un jeu vidéo célèbre pour son principe de base, censé offrir une sorte de “seconde vie” à ses joueurs. Dans cet environnement, il est donc possible de faire absolument tout ce que vous pourriez faire dans la vie réelle et plus encore. Quant à savoir où se situe l’intérêt d’un tel jeu…

Quoiqu’il en soit, étant donné que ma pratique est tournée essentiellement vers les nouvelles technologies et l’Internet, ce titre me paraissait tout à fait adapté à cette peinture.

Ici, une Faceless Girl (en savoir plus sur les Faceless Girls et dans d’autres nombreux articles de ce blog) est allongée dans l’herbe. Est-elle seulement endormie ? Peut-être est-elle morte ? Ou encore, s’agit-il d’une sorte de phénomène propre à ce qu’elle est ou d’un rituel ? Autour d’elle, ses cheveux forment une sorte de réseau étrange qui semble se mêler à la pelouse. La Faceless Girl n’est pourtant pas un être naturel ; elle est née dans un environnement virtuel, elle n’existe pas dans notre réalité. Aussi, tout ce qui l’entoure n’est pas plus tangible qu’elle. Cependant, elle se mélange à un environnement qui, comme le notre, lui est naturel. Elle s’en nourrit ou elle le nourrit. Comme tout être, elle a deux vies ; son existence et ce qui lui succède. Cette peinture évoque ces deux formes d’existence sans déterminer exactement s’il s’agit de l’une ou de l’autre. Son titre, Second Life, évoque à la fois ce phénomène de double vie mais également l’idée de la virtualité de mon personnage et de son environnement.

 

A noter également que cette toile était aussi pour moi une façon de faire référence aux préraphaélites que j’admire énormément pour leur sens des couleurs, du détail et de la mise en scène. Egalement, il faut bien le dire, parce que de nombreuses jeunes femmes aux longs cheveux blonds étaient les sujets de leurs peintures. Etant petite, je me prenais parfois à imaginer que je pouvais devenir un de ces sujets ou, plus intéressant encore, que ces femmes étaient peut-être mes ancêtres et que l’histoire de ma famille grouillait d’histoires palpitantes qu’il me plaisait d’imaginer. Cette Faceless Girl s’inspire surtout de l’Ophélie de John Everett Millais.1

 

Ophelia

 

1Ophelia, Sir John Everett Millais 1851-52, Huile sur toile, 76 x 112 cm, Londres, Tate Gallery

Les jumelles : elles et moi ; elles sont moi.

Nobody knows Dessins issus d'un livre illustré, accompagnés d'haïku Aquarelle et encre
Nobody knows
Dessins issus d’un livre illustré, accompagnés d’haïku
Aquarelle et encre
Nobody knows Dessins issus d'un livre illustré, accompagnés d'haïku Aquarelle et encre
Nobody knows
Dessins issus d’un livre illustré, accompagnés d’haïku
Aquarelle et encre

Origine de mon alter-ego

Celle(s) que j’appelle monalter-ego apparaît régulièrement dans mes travaux. Elle me permet d’exprimer des choses que je n’oserais, bien souvent, pas exposer seule. Elle est présente à mes côtés depuis longtemps, héritière de mon adolescence virtuelle.

J’avais douze ou treize ans quand, sur les premiers forums que je fréquentais, des jeux de rôle comme on n’en fait plus aujourd’hui, je commençais à jouer des jumelles. Je ne me souviens pas d’avoir un jour joué un personnage unique.

Shousetsu et Caroline

En fait, quand j’ai créé mon tout premier personnage de jeux en ligne, j’ai imaginé Shousetsu. Elle n’avait pas encore ce nom là mais il est venu assez rapidement, se transformant en Shou‘”, un pseudonyme auquel je tiens encore beaucoup aujourd’hui (et avec lequel je signe la plupart de mes travaux).  Shousetsu, c’était un peu ma face idéale ; celle que j’espérais de tout cœur montrer aux gens que je rencontrais, à la fois douce, agréable, accessible, drôle, intelligente (oui, rien que ça !) mais aussi forte, capable de tenir tête à ceux qu’il fallait, de dire “non” ou “je ne veux pas“. Mais il manquait une faille à cette fille plutôt parfaite, que j’ai décidé d’introduire en la personne de Caroline.

Caroline, c’est mon prénom. Curieux, me direz-vous, et je dois avouer que je ne sais pas trop d’où cela m’est venu mais c’était assez naturel ; Shousetsu, signifiant “roman” en japonais, et Caroline, la face sombre d’un duo inséparable. Cette dernière est vite apparue comme une fille cruelle, apparemment dépourvue de tout bon sentiment à l’égard d’autrui et, surtout, prête à tout pour faire souffrir sa frangine. Puis, Caroline a commencé à montrer ses faiblesses, ses failles. Elle a évolué, tout au long des scénarios que je lui faisais traverser. J’ai beaucoup écrit, avec elles deux. Caroline, la plus fragile, se cachait derrière une épaisse carapace de pure méchanceté et, je dois bien l’avouer, me permettait de me défouler joyeusement (si je puis dire). Shousetsu, la plus forte, me permettait de vivre ce que je n’aurais jamais osé faire.

Deux faces qui ne font qu’une entité

Je me rends compte, avec le recul, que ces personnages sont tous les deux représentatifs d’une part de moi-même. Il y a sûrement, en ces filles, beaucoup de ce dont je n’ai pas (ou n’avais pas) réellement conscience d’être mais aussi énormément de ce que j’aurais aimé/j’aimerais être. C’est pourquoi, je me sers régulièrement d’elles, tant à l’écrit que dans mes travaux plastiques, pour exprimer ce que je ressens, ce que je veux dire, ce qui me tient à cœur.

Dans mes dessins, Shousetsu apparaît généralement avec une teinte de cheveux rosée voire légèrement violacée. Son apparence a quelque chose d’assez “kawaii“, mignonne, inoffensive et, dans les univers dans lesquels j’évoluais, souvent invisible à son arrivée avant de se faire remarquer par une action quelconque, plus certainement, par un trait d’humour bien placé. C’est généralement pour cela que, dans mon esprit, elle est souvent perçue, au premier abord, comme une fille un peu insignifiante, jolie mais, sans être superficielle, pas forcément le genre de fille vers laquelle on irait naturellement. Trop étrange, trop à l’écart du monde, un peu dans sa bulle. Vous allez me dire, okay, mais elle a les cheveux roses, ça se remarque ! Finalement, pas tellement, dans les univers dans lesquels j’évoluais, comme je le disais plus tôt. Mais j’ai conservé ce trait physique particulier pour qu’on remarque facilement sa présence dans mes dessins ou mes écrits. Quand une fille aux cheveux roses apparaît, qu’elle ait le même nom – ou n’en ait pas, il s’agit de Shousetsu. Et, quand elle apparaît, sa jumelle – apparemment – diabolique n’est jamais bien loin bien que son apparence à elle ait tendance à changer, selon les circonstances, de quelque chose de sobre à plus “dark”. Dans Nobody Knows, par exemple, Caroline a les cheveux châtains et longs. Mais, lorsque j’écris, elle a plus souvent une coupe garçonne et teinte. Le rouge sombre revient assez régulièrement, comme un clin d’oeil à Shousetsu ; elle, et ses cheveux soyeux, toujours très longs, rosés, et Caroline, ses cheveux courts, sombres, sanguins, auxquels elle n’apporte pas forcément beaucoup de soin.

Il y aurait encore beaucoup à dire sur ces deux personnages. Comme je vous l’ai dit, j’ai beaucoup écrit à leur sujet. Elles ont une histoire bien définie, dans ma tête comme dans de nombreux manuscrits que je traine un peu avec moi depuis des années et auxquels se raccrochent d’autres figures importantes à leurs yeux – et aux miens. Ce sera pour une autre fois, chaque chose en son temps, n’est-ce pas ? ;)

Nobody knows Dessins issus d'un livre illustré, accompagnés d'haïku Aquarelle et encre
Nobody knows
Dessins issus d’un livre illustré, accompagnés d’haïku
Aquarelle et encre

Takashi Murakami pour Louis Vuitton : Art, luxe et réussite

En 2009, l’artiste japonais Takashi Murakami collabore avec la célèbre marque française de maroquinerie, Louis Vuitton. Il lui offre un visuel coloré, manga et kawaii sous la forme de pandas et de petites fleurs souriantes.

Murakami et Vuitton : une collaboration surprenante mais réussie

Takashi Murakami et Louis Vuitton, c’est, tout d’abord, une collaboration entamée avec la création d’un nouveau visuel pour la marque ; coloré, à l’image des nombreuses créations de l’artiste japonais, il reprend ce qui a fait son succès. Ainsi n’est-on pas surpris de retrouver les fameux yeux typés manga dont disposent la plupart de ses créatures et, plus particulièrement, de trouver une grande ressemblance entre ce visuel pour L.V. et les Jellyfish Eyes de Takashi Murakami, de même que ses fleurs géantes ou ses multiples champignons, tels Super Nova. S’y ajoute des petites fleurs simples et, bien sûr, le logo désormais célèbre de la marque, un “L” et un “V” entrelacés.

Semblables à de petits clips-art prêts à l’emploi, il ne reste plus qu’à décliner ce monogramme sous toutes les formes et toutes les couleurs. Sur fond clair ou foncé. Multicolore ou monochrome. Tout y passe ainsi que tous les supports.

Etrange réunion de l’art et de la marchandise ? Pas vraiment. Takashi Murakami montre, à travers cette coopération, que l’art est depuis longtemps une marchandise comme les autres et va plus loin encore en mettant volontairement son art au service d’une marque, en s’affichant comme symbole de celle-ci. Ainsi, il est un artiste de son temps ; un temps où tout se vend et s’achète. Pourquoi pas l’art ? Et, surtout, pourquoi s’en cacher ?

Murakami crée-il des œuvres d’art ou produit-il des marchandises ?

Il faut aussi dire la frontière entre l’art et le design s’amincit d’année en année et certains artistes, comme Murakami, au style reconnaissable et facilement déployable en une multitude d’objets, atteignent et charment autant qu’ils sont charmés par ce marché de plus en plus ouvert.

Toutefois, une partie du public voit ce phénomène d’un mauvais oeil, comme une sorte de pacte avec le Diable, presque une trahison : l’art devrait rester l’art, pensent-ils. Le problème avec cette idée, c’est qu’elle est souvent saupoudrée d’un élitisme crasse : l’art devrait rester l’art, parce que l’art est au-dessus des basses considérations humaines. Autrement dit, l’art ne devrait pas se populariser.
Mais ainsi que le disait Andy Warhol, loin d’être en accord avec cette doctrine, et bien qu’on puisse aisément le déplorer, “le summum de l’art est de faire du fric”. Et, de fait, dans les années 60, les artistes du mouvement Pop Art étaient passés maîtres dans l’art de “faire du fric” avec l’art (c’est d’ailleurs toujours le cas aujourd’hui : il suffit de voir le prix que peut atteindre une sérigraphie de Andy Warhol, justement, sur le marché de l’art). Rien d’étonnant, alors, à ce que les héritiers contemporains de cet art “pop” (entendez  “populaire”) démontrent un talent certain pour faire de même. Takashi Murakami est de ceux-là. Et même si cet état de fait ne plaît pas à une partie du public, il faut bien reconnaître que l’artiste a de quoi s’en ficher royalement : en 2001, il avait déjà vendu une de ces sculptures pour la modique somme de 420 000 euros à New-York. C’était pourtant avant de devenir vraiment internationalement connu, y compris par monsieur et madame tout-le-monde. Avant, par exemple, sa très contestée exposition au Château de Versailles. Avant, aussi, sa collaboration avec Louis Vuitton. Suivie, depuis, par une collaboration avec Marc Jacobs ou encore la marque de bonbons Frisk. Aujourd’hui, Takashi Murakami est aussi célèbre que ses non moins controversés collèges Jeff Koons ou Damien Hirst.

Les produits de la collection Murakami

La marque Louis Vuitton décline le visuel de Takashi Murakami sur tous ses articles. Sac, bagages, porte-monnaie et même porte-clefs. La gamme Takashi Murakami est née et va s’étendre à tous les articles proposés par le catalogue de Louis Vuitton. On voit même apparaître sur certains articles la fameuse fleur de cerisier, symbole le plus connu attaché au Pays du Soleil Levant.

La marque française a, bien entendu, trouvé un filon en pleine expansion car le Japon est très à la mode dans l’Hexagone depuis déjà longtemps et l’attraction autour de l’archipel ne cesse de croitre. Or, Takashi Murakami représente ce qui fait, aujourd’hui, tout l’intérêt du Japon aux yeux du plus grand nombre : le manga et ses explosions de couleurs, ses univers édulcorés mais étranges, chimériques, parfois perturbants, utopiques et magiques,… C’est l’image d’une sorte de pays idéal (mais pas parfait) qu’il transmet.

Ce sont tous ses codes qui sont repris par l’artiste dans son œuvre et qu’il insuffle au visuel développé pour la marque Louis Vuitton.

Takashi Murakami se charge également de réaliser des films de quelques minutes, sortes de petits clips musicaux, dans lesquels il vente les mérite de la marque à sa façon. Dans ses créations audio-visuelles, Louis Vuitton devient un petit paradis utopique où des jeunes filles rencontrent l’amour et des petits personnages colorés et attachants.


Sources :
Mon site non-officiel consacré à Takashi Murakami