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Franz Xaver Messerschmitt et ses têtes mystérieuses

Fraîchement de retour de Vienne avec, dans mes bagages, de bien belles découvertes artistiques. L’une d’elles est l’occasion idéale pour moi de vous proposer mon traditionnel article d’Halloween : nous allons aujourd’hui parler de l’artiste autrichien Franz Xaver Messerschmitt. Plus exactement, nous allons le découvrir à travers une de ses œuvres, particulièrement intrigante : Character Heads (qu’on peut traduire par « têtes de caractère » en français).

L’œuvre de Franz Xaver Messerschmitt qui fait tourner les têtes !

Ah, Halloween… La fête des monstres en tout genre, des histoires d’horreur, des déguisements et des bonbons… Mais aussi des farces ! Combien d’enfants dans le monde vont, le jour d’Halloween, aller sonner chez leurs voisins pour réclamer des friandises en s’écriant avec leur plus belle grimace : « Des bonbons ou un sort !!! »
Et oui, aujourd’hui, on va parler grimaces.

L’œuvre qui va nous intéresser s’intitule Character Heads et a été réalisée par Franz Xaver Messerschmitt vers 1771. C’est une série de sculptures — des bustes, pour être exacte — de têtes grimaçantes. Elles sont une quarantaine et chacune est différente de l’autre. Le personnage n’est pas toujours le même et les expressions faciales sont toutes différentes.

Cette œuvre de Franz Xaver Messerschmitt est aujourd’hui exposée au Palais du Belvédère à Vienne. Une salle lui est consacrée dans une des ailes de cette ancienne demeure impériale, tant elle intrigue encore aujourd’hui. Il faut tout de même savoir que Messerschmitt n’était pas n’importe quel artiste : c’était un célèbre portraitiste de la cour de Vienne, qui a aussi bien représenté les membres de l’aristocratie que les intellectuels de l’époque. Il fut aussi professeur-adjoint à l’Académie royale de Vienne.

Alors, certes, cette œuvre semble surtout fun à première vue mais est-ce seulement ça ? Voyons voir ce qui la rend plus énigmatique.

Franz Xaver Messerschmitt avait-il perdu la tête ?

Cartel des Character Heads de Franz Xaver Messerschmitt au palais du Belvédère (Vienne).
Cartel des Character Heads de Franz Xaver Messerschmitt au palais du Belvédère (Vienne).

C’est la question que se sont posés les historiens si l’on en croit le cartel du musée du Belvédère (voir ci-contre) qui se trouve à l’entrée de la salle des bustes. On y évoque la possibilité que Messerschmitt ait pu développer une certaine forme de folie, une maladie mentale ou une dystonie (« trouble moteur caractérisé par des contractions musculaires intenses et involontaires, prolongées, qui provoquent des attitudes et des postures anormales, de tout ou partie du corps » nous indique Wikipédia https://fr.wikipedia.org/wiki/Dystonie_(trouble_moteur)). Et c’est ce qui rend intrigantes ses têtes caractérielles. On pense que Messerschmitt a pu souhaiter représenter les expressions que son visage prenait lors de crises provoquées par des troubles psychiques.

Quand ton pote te dit qu'il a l'impression d'être persécuté par des esprits, OKLM.
Quand ton pote te dit qu’il a l’impression d’être persécuté par des esprits, OKLM.

Il semble que ce sont ces troubles qui l’empêcheront d’obtenir le poste de professeur qui devait lui revenir, à la mort de son prédécesseur. « Son ami Friedrich Nicolai, écrivain et philosophe, (…) écrit que l’artiste se disait persécuté par des esprits qui le faisaient souffrir moralement et physiquement, notamment dans le bas-ventre et les cuisses. » (Source)

Étonnant ? Inquiétant ? Pas tant que ça quand on sait que même les cauchemars ont longtemps été attribués à des attaques d’esprits et autres démons nocturnes. J’avais d’ailleurs écrit un article sur ce sujet que je vous invite à redécouvrir ici. Messerschmitt  pouvait donc être bel et bien malade tout en pensant être persécuté par quelque créature démoniaque.

Le cartel du palais du Belvédère évoque aussi l’influence d’un certain Franz Anton Mesmer, qu’on peut considérer comme l’ancêtre de ce que nous appelons aujourd’hui l’hypnose (en anglais, le lien entre Mesmer et l’hypnose est encore plus clair car le mot « mesmerizing » qui signifie « hypnotisant » a été créé à partir du nom de ce médecin du XVIIIème siècle). D’après les témoignages de l’époque, et qui ont notamment apporté des problèmes à Mesmer en France, les séances de ce qu’on appelait alors « le magnétisme animal » pouvaient provoquer une perte plus ou moins importante de contrôle du corps. Cela pourrait avoir inspiré Messerschmitt car les pratiques de Mesmer faisaient alors beaucoup parler d’elles à travers l’Europe.

Franz Xaver Messerschmitt à l’heure de Snapchat

Alors, finalement, Messerschmitt était-il fou ou non ? Difficile à dire avec certitude. Comme tout artiste de son temps, on peut penser qu’il cherchait surtout à représenter le monde et à améliorer encore et encore sa technique. D’autant plus qu’il eut à traverser des périodes difficiles où le travail manquait drastiquement.

Son travail portait surtout autour des expressions faciales car il était portraitiste. Pas facile, en effet, de rendre une expression juste. Plus difficile encore à une époque où s’exprimer de façon trop forte est vite perçu comme déplacé. La grimace n’est pas belle ; or, l’Art, c’est le Beau. Mais comment distinguer le Beau si le Laid n’existe pas ? Et n’existe-t-il pas une certaine beauté dans la laideur ? De plus, le Laid intéresse aussi les artistes depuis bien longtemps : nombre de têtes et de gargouilles grimaçantes ornent les cathédrales et autres constructions d’Europe depuis le Moyen-Âge (on appelle d’ailleurs ces sculptures de façades des « grimaces »). Mais on peut aussi penser aux nombreuses représentations d’Héphaïstos, dieu de la forge dont la laideur et la difformité ont souvent été peintes ou sculptées par les artistes, de façon plus ou moins grotesque. Tout ça avant que ne se développe, au XIXème, un véritable engouement pour la caricature de presse où les expressions exagérées et les traits grossiers prennent alors toute leur place.

On trouve d’ailleurs dans ces bustes une certaines exagération des formes comme dans les caricatures. Peut-être était-ce pour Messerschmitt une sorte de jeu ou un intérêt pour les capacités du visage à bouger, se plier, se déformer, se métamorphoser et, finalement, exprimer quelque chose. Il est d’ailleurs intéressant de souligner qu’un visage excessivement souriant peut provoquer un certain malaise alors qu’un autre, pourtant plus triste, nous semblera plus amusant. Était-ce ces variations qui intéressaient Messerschmitt ?

On constate en tout cas que les visiteurs du Belvédère prennent plaisir à traverser cette salle. Mon copain et moi avons pu constater que nous n’étions pas les seuls à nous amuser (je vous laisse juger le tweet qu’en a tiré mon chéri, ci-dessous) de ces visages difformes. Avec notre regard d’aujourd’hui, nous y voyons des grimaces amusantes et plutôt étonnantes dans un musée comme celui-là, situé dans un palais magnifique. Cela nous fait plutôt sourire. Peut-être que cela faisait aussi rire Messerschmitt autant que cela lui permettait de travailler diverses expressions pas forcément communes et pas forcément simples à représenter. C’est en tout cas une belle galerie de grimaces qu’il a ainsi léguée à la postérité. Et il est plutôt amusant de patienter un peu dans cette salle du Belvédère pour observer les visiteurs qui s’amusent à imiter ces têtes pour leurs futures photos Instagram ou Snapchat. Je me demande ce que Messerschmitt aurait pensé de ce drôle de spectacle. En tout cas, cela m’a plutôt amusé pour ma part et a rendu plus populaire l’imposante bâtisse impériale ou nous nous trouvions.

Dernière petite anecdote pour la route : vous pouvez voir une réplique d’une des têtes de Messerschmitt dans le décor des vidéos de la chaine Youtube « Et tout le monde s’en fout ». Je vous le dis, comme ça, en passant, parce que j’aime beaucoup leur chaine.


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500 ans de portraits de femmes dans l’art occidental


Visionner sur Youtube | Version HD sur Vimeo

Ca n’est pas la première fois que je vous parle d’une vidéo mettant en scène de nombreuses grandes œuvres de l’art occidental de façon originale. C’était déjà le cas dans l’article où je vous parlais de peintures de grands maîtres qui semblaient prendre vie.

Un peu plus ancienne (2007), la vidéo que je tiens à vous présenter aujourd’hui n’en est pas moins surprenante et tout à fait fascinante à regarder. Elle met en scène uniquement des portraits de femmes. Cinq cents, pour être exacte. Qui datent de la seconde moitié du XIIe siècle à 1946.

A travers un procédé de morphing, les visages se succèdent avec une fluidité étonnante. On se rend alors compte de la ressemblance entre certains visages, mais aussi de l’évolution des modes et, par conséquent, des critères de beauté. La belle femme du Moyen-Age n’est pas celle de la Renaissance qui n’est pas celle du début du XXe siècle. Et pourtant, à les voir ainsi se succéder, tous ces portraits ont quelque chose d’ensorcelant ; ces femmes, malgré leurs différences qui ne sont finalement que détails, ne semblent finalement former qu’une seule et même entité. Comme un modèle immuable, une muse éternelle. La Femme avec un fuckin’ grand F. (évitez de répéter plusieurs fois de suite cette phrase à haute voix)

Loin de moi l’idée de faire de cet article un plaidoyer en faveur de la féminité et plus encore de bercer dans le féminisme (pas trop mon genre, je dois bien l’admettre) mais c’est pourtant bien la Femme, qui qu’elle soit, quels que soient ses défauts ou ses qualités, ses origines, son rang,… dont cette vidéo trace le portrait, à mon sens.

Je tenais seulement à exprimer ici à quel point je trouve assez remarquable de voir comme ces oeuvres se dressent au-dessus de leurs particularités (qui font également leur beauté propre !) pour ne former plus qu’une. Cette vidéo est finalement une œuvre, elle aussi, en réussissant à mettre ainsi bout à bout toutes ces peintures.

Une oeuvre qui est celle de Philip Scott Johnson (dont vous pouvez découvrir d’autres vidéos sur Youtube, notamment) qui a usé du logiciel Abrosoft Fantamorph pour parvenir à ses fins.

Vous pourrez trouver ici la liste de l’ensemble des oeuvres apparaissant dans la vidéo : http://www.maysstuff.com/womenid.htm
Voici aussi celles que je préfère :

Pixel Art

Qu’est-ce que le Pixel Art ?

C’est un technique de dessin par ordinateur qui consiste à dessiner pixel par pixel. Les pixels, ce sont tous les petits carrés lumineux qui composent votre écran. Généralement, vous ne les voyez pas (à moins que votre écran n’est un pixel mort). Mais lorsque vous zoomez sur une image (une photo, par exemple), elle se « pixelise » : vous pouvez alors voir que votre image n’est en fait composée que de carrés de différentes couleurs, apposés les uns à côté des autres. Ca peut ressembler à du pointillisme. D’autres comparent ça à du canevas.

Dans mon cas, j’utilise le Pixel Art pour créer des images volontairement pixelisées, avec une palette de couleurs réduites. Je dessine à l’aide de différents logiciels, j’utilise les différents outils qu’ils mettent à ma disposition, jusqu’à obtenir l’effet voulu. Je déforme, je trace des lignes ou des formes, je dessine, j’ajoute çà et là les pixels voulus. C’est pourquoi je compare parfois la façon dont je travaille à deux techniques de peintures : le pointillisme d’un côté et le dripping de l’autre. A la différence prêt que tout se fait ici par ordinateur.

Lors de leur présentation, je fais imprimer mes réalisations de pixels sur papier photo ou sur toile. Ainsi, leur taille peut atteindre plusieurs mètres. C’est pourquoi je les qualifie souvent de « fresques ». Dans la mesure du possible, je tente de photographier ce genre d’exposition de mes travaux mais cela n’a pas encore été possible pour tous.

Cliquez sur une des miniatures pour accéder à la page dédiée de la ou des créations correspondantes.


Nid de pensées : Solitude

Nid de pensées : Solitude
Nid de pensées : Solitude
Autoportrait, Peinture acrylique sur toile – 80cm/60cm

Un proverbe dit : « La solitude est le nid des pensées. »
C’est de là que provient le nom de cette toile. La solitude pousse à penser, à réfléchir, à se tourner vers soi-même pour décortiquer la moindre petite chose et elle peut rendre fou. C’est pourquoi nous la fuyons, plus ou moins consciemment, selon moi. Je constate, malgré tout, que c’est souvent grâce à elle que je développe le plus mon imaginaire. Les idées fusent, dans les moments de solitude. Bonnes et mauvaises. Elle m’est, à la foi, tout à fait indispensable et a souvent été destructrice.

C’est donc une toile très personnelle. Un autoportrait, tout d’abord, bordé de symboles. L’ancolie et la dissimulation du regard sous un fourmillement d’idées. La couleur se mêlant au noir. Le mouvement de la chevelure, à la fois souple et contaminateur, ne laissant paraître, finalement, que peu d’éléments du portrait.

J’ai beaucoup de mal à parler de cette peinture , finalement :)

Ma Ballade de l’Impossible : Dancetaria

Parmi les choses qu’il y a à savoir de moi, c’est que je suis fan du groupe Indochine. Très fan.

Et en ce (sur)lendemain de concert, j’ai envie de ressortir de vieux dossiers. En l’occurrence, j’ai envie de profiter de cet article pour vous parler d’une vidéo que j’ai réalisé. Elle se base sur la chanson Dancetaria.

Cette vidéo a été réalisée dans le cadre de ma première année de Licence (2009-2010). Elle est la première partie d’un triptyque . Pour faire simple, c’est-à-dire que j’ai réalisé deux autres vidéos qui « fonctionnent » avec elle pour former un seul et même ensemble qui est, au final, un autoportrait. Ces trois vidéos forment Ma Ballade de l’Impossible (ce nom s’inspire du roman du même nom, de Haruki Murakami, cliquez sur le lien pour voir les autres vidéos composant ce triptyque).

J’ai décidé d’utiliser la technique du stop motion pour créer les différentes animations. Formant une partie d’une sorte d’autoportrait, cette vidéo comporte de nombreux clins d’oeil à mon passé, à ce que j’aime, à ce que je fais, à ce qui m’effraie etc. Par exemple, lorsque la petite télévision apparaît dans le coin gauche de l’écran, elle projette certains de mes tableaux préférés (La vie, de Picasso – L’école d’Athènes, de Raphaël – La cité imaginaire, Anonyme, entre autres). Le damier au sol évoque la peinture classique (durant la Renaissance, représenter un sol en damier permettait au peintre de montrer sa capacité à utiliser la perspective).

Je voulais que mon personnage ressemble à un pantin, à une marionnette. En désarticulant les mouvements, c’est le sentiment que je voulais créer.
La symbolique de cet objet très ancien, m’est importante. La marionnette est utilisée pour raconter des histoires. On la considère souvent comme un objet destiné aux enfants mais elle a souvent servi dans un but satirique. Les spectacles de marionnettes peuvent s’adresser à tous. Un pantin peut aussi être une image de soi, que l’on utilise pour dire des choses qu’on ne dirait pas forcément sans son aide. Pourtant, dire de quelqu’un qu’il est une marionnette est péjoratif : c’est l’idée que quelqu’un tire les ficelles de notre vie, que nous ne sommes pas maître de notre destin. C’est un peu le sentiment que j’ai parfois. C’est le sentiment que j’avais, en tout cas, quand j’ai réalisé Dancetaria.

La question de l’alter-ego occupe également une place importante dans cette réalisation. Depuis toute petite, la création de ces « autres moi » occupe mon temps. Au fur et à mesure, je les ai développés. Certains, comme les jumelles que l’on peut retrouver dans certains de mes travaux, comptent parmi les plus importants. Ici, je les évoque.

Je tenais également à évoquer Alice au pays des Merveilles et l’idée du rêve-éveillé, du rêve-cauchemar, du rêve-fou. Il était important pour moi que se dégage de cette vidéo, une impression d’inquiétante-étrangeté.

Le choix de Dancetaria s’est naturellement imposé à moi. Elle commence comme une douce boite à musique puis l’ensemble s’étoffe peu à peu. A la base, ce morceau est long d’environ sept minutes mais je l’ai volontairement coupé. A cet instant précis, la coupure donne au morceau un sentiment d’inachevé. C’est l’état d’esprit dans lequel je me trouvais au moment de la réalisation de cette vidéo.